Warum Valeria Napoleone nur Künstlerinnen sammelt

Alles begann mit einigen Seifenblasen Mitte der neunziger Jahre.

Den Anfang machte ein Schwarz-Weiß-Foto der Künstlerin Carol Shadford. Aus der Ferne wirkt das Foto wie eine optische Täuschung und ist abstrakt. Tritt man jedoch näher heran, so kann man in jeder einzelnen Blase ein Gesicht, eine halbe Büste oder den ganzen Körper einer Frau erkennen. Für Napoleone war es faszinierend und ein würdiger erster Kauf, der den Anstoß zu ihrem jahrzehntelangen Engagement gab, Kunst zu sammeln, die ausschließlich von Künstlerinnen stammt.

Als Tochter eines wohlhabenden italienischen Industriellen und aufgewachsen in einer kleinen Stadt außerhalb von Mailand, hat die italienische Sammlerin sich nicht immer von der Kunstwelt angezogen gefühlt. Als sie Mitte der achtziger Jahre an der NYU Journalismus studierte, verbrachte sie ihre Zeit damit, die Stadt zu erkunden. Erst als sie die Universität verließ und ihren Mann Gregorio, einen auf Italien stammenden Banker, heiratete, begann ihr Weg in die Kunstwelt. “Mein Mann ist im Investmentbanking tätig, also zogen wir [zurück] nach New York und ich begann ein [Master’s Degree]-Programm für Kunstgalerieverwaltung am Fashion Institute of Technology”, erinnert sie sich. Dieses zweijährige Programm führte sie zu Pierogi 2000 (heute einfach Pierogi genannt), der Galerie in Williamsburg, die Mitte der neunziger Jahre zu einem Schmelztiegel für Künstler*innen und Kunstliebhaber*innen wurde.

“Joe Amrhein war der Direktor und ich verbrachte viel Zeit in [Pierogi 2000], um Künstler*innen zu treffen, die dort vertreten waren und ausgestellt wurden”, erinnert sie sich. “Während ich Pierogi und die Gemeinschaft der Künstler*innen kennenlernte, wurde mir klar, wie sehr ich es genieße, von Künstler*innen umgeben zu sein. Dieser elementare Drang, mit Künstler*innen in Kontakt zu sein, hat der Sammlerin geholfen, ihre Arbeit als Mäzenin konsequent zu verfolgen. Neben ihrer berühmten Privatsammlung, die ausschließlich Werke von Künstlerinnen beinhaltet, engagiert sich Napoleone über ihre Plattform Valeria Napoleone XX, die in zwei Initiativen aufgeteilt ist, auch für philanthropische Zwecke: eine mit dem New Yorker Sculpture Center, dem Institute of Fine Arts der NYU und eine mit der Contemporary Art Society in Großbritannien.

Mit ihrer privaten Sammlung von Hunderten von Kunstwerken und ihrer philanthropischen Arbeit hat Valeria einen vollen Terminkalender und ist immer auf der Suche nach neuen und etablierten Künstlerinnen, die sie fördern möchte. Während ihres letzten Italien-Urlaubs führten wir ein Video-Gespräch mit der Sammlerin, um mit ihr über ihre Strategie bei der Suche nach Künstlerinnen, die XX-Initiative und darüber zu sprechen, warum persönliche Beziehungen im Zeitalter der fortschreitenden Digitalisierung so wichtig sind.

Können Sie mehr über Ihre philanthropische Initiative Valeria Napoleone XX erzählen?

Das Projekt wurde offiziell 2015 ins Leben gerufen, ist aber eine Formalisierung meiner Aktivitäten als Mäzenin in den vergangenen 18 Jahren. Ich habe schon immer Künstlerinnen und weibliche Kreativität unterstützt, aber ich wollte es formalisieren und laut herausschreien. XX [verweist] auf die weiblichen Chromosomen, aber auch auf die Partnerschaft, denn mein Leben als Mäzenin und Sammlerin war nie ein Alleingang. Es ist eine Reise mit Institutionen, mit Kurator*innen. Partnerschaft war immer ein sehr wichtiges Element in meinem Leben und XX hat viele verschiedene Partner*innen.

Eine davon ist in Großbritannien [mit der Contemporary Art Society]. Seit über hundert Jahren sammelt die Organisation private Gelder, um Kunstwerke zu kaufen und an regionale Museen in ganz Großbritannien zu spenden. Als ich Treuhänderin wurde, sagte ich: “Lass uns ein Projekt machen, das über meine Tätigkeit als Treuhänderin hinausgeht. Etwas Spannendes und Kreativeres.” Wir gründeten die [Valeria Napoleone XX Contemporary Art Society (VN XX CAS)], die jedes Jahr ein wichtiges Werk einer zeitgenössischen Künstlerin an eines der regionalen Museen spendet. Die Museen müssen eine Bewerbung ausfüllen, in der sie gefragt werden, wie viele weibliche Künstlerinnen in ihrer Sammlung vertreten sind und was sie tun, um ein Ungleichgewicht zu beheben. Das zeigt, wie unausgewogen es im Vereinigten Königreich ist. Es gibt keine Frauen in regionalen Museen, weil es kein Geld gibt, um [Werke von Künstlerinnen] zu sammeln.

In den USA arbeitet XX mit dem SculptureCenter zusammen und finanziert eine große Auftragsarbeit einer Künstlerin im Rahmen einer Einzelausstellung im SculptureCenter vollständig. Anthea Hamilton war die allererste Künstlerin, die wir beauftragt haben. Ich liebe es, in diesen Prozess eingebunden zu sein. Ich könnte mich zurück lehnen und nur die Mittel zur Verfügung stellen und sagen: “Ihr könnt machen, was ihr wollt.” Stattdessen sehe ich mir das Projekt an, sehe die Pläne und diskutiere mit der Künstlerin. Wir haben mit Anthea Hamilton, Carissa Rodriguez, Rindon Johnson [und] Fiona Connor wirklich ehrgeizige Aufträge realisiert. Wir arbeiten auch mit dem Institute of Fine Arts der New York University zusammen. XX finanziert jedes Jahr zwei Ausstellungen, die von einem Team von Student*innen und einer Künstlerin kuratiert werden.

Ich habe gelesen, dass Sie, anders als viele Sammler*innen, keine Kunstberater*innen haben.

Nein, ich nehme nie Kunstberater*innen oder Consultants in Anspruch. Wenn es in meiner Community Berater*innen gibt, dann sind es Künstler*innen, die andere Künstler*innen, Galerist*innen oder Kurator*innen hervorheben oder kennzeichnen. Ich habe eine so aktive Community um mich herum, die mich seit 20 Jahren unterstützt und stetig wächst. Ich lerne ständig neue interessante Menschen kennen, während ich mich in der Kunstwelt bewege. Ich würde das nie aufgeben. Es ist sehr [wichtig] für mich. Die Recherche, das Erforschen neuer Ideen und die Überraschung, neue Künstler*innen zu entdecken, sind Teil einer aufregenden Reise – und ich habe die Zeit und die Energie dafür. Warum sollte ich etwas so Besonderes aufgeben?

Das erinnert mich an ein Sprichwort: “Der Weg ist das Ziel”

Ja, das ist absolut wahr. Von Anfang an habe ich verstanden, wie wichtig es für mich ist, Teil der Community zu sein. So viele Reisen mit Künstler*innen beginnen, wenn ich eine Ausstellung sehe und das Werk kennen lerne. Das Werk ist ein meiner Meinung nach der Ausgangspunkt. Für viele Sammler*innen hört es beim Kauf des Werks auf. Sie sehen das Werk, kaufen es und das war’s. Wenn ich ein Werk sehe, bin ich wirklich begeistert und möchte mehr darüber erfahren. Manchmal kaufe ich nicht sofort. Ich möchte abwarten und verstehen und möglicherweise die  Künstlerin treffen, wenn es geografisch möglich ist. Das eröffnet mir als Mäzenin wirklich eine neue Reise.

Was sind die größten Veränderungen, die Sie in der Kunstbranche erlebt haben, seit Sie mit dem Sammeln begonnen haben?

Als ich mit dem Sammeln begann, war ich glücklicherweise zur richtigen Zeit am richtigen Ort. Es war damals eine sehr kleine Kunstwelt und man besuchte unter anderem die Armory Show, die sich im [Gramercy Hotel] befand. Das war eine der aufregendsten Kunstmessen, die ich jemals besucht habe. Die größten Veränderungen sind wahrscheinlich die Technologie [und] die sozialen Medien, aber auch die Tatsache, dass sich die zeitgenössische Kunstwelt enorm erweitert hat. Die Menschen sammeln, aber mehr noch als sie sammeln, kaufen sie Kunst. Das ist ein großer Unterschied. Als ich meine Reise begann, kannte ich den Unterschied zwischen beiden sehr gut, und ich sagte mir von der ersten Arbeit an, das ich kaufte, dass ich eine Sammlung anlegen würde. Ich bin eine Sammlerin. Ich bin keine gelegentliche Kunstkäuferin.

Es scheint, als ginge es bei vielen Kunstwerken nur noch darum, Geld zu verdienen und nicht mehr um eine tiefere Botschaft.

Alles dreht sich darum, in den sozialen Medien zu vermarkten. Deshalb ist es für mich wichtiger denn je, die Künstlerin kennenzulernen – um zu verstehen, ob sie aus dem richtigen Grund dabei ist. Ich sehe so viele Spekulationen mit sehr jungen Künstler*innen, die nicht die nötige Reife haben oder konzeptionell uninteressant sind. Sie haben keine interessante Geschichte zu erzählen, aber sie sehen in den sozialen Medien gut aus. Ich suche nach Authentizität und davon gibt es heutzutage nur noch wenig.

Haben Sie ein Lieblingskunstwerk in Ihrer Sammlung?

Das ist sehr schwer zu sagen, denn ich sammle nicht in Massen. Ich sammle ganz gezielt das, was ich will, sodass jedes Stück zählt, um diesen Chor weiblicher Stimmen zu nähren. Die Stücke, an denen ich sehr hänge, sind die Stücke, die ich zu Beginn meiner Reise 1997, ’98, ’99 gekauft habe. Ich kehre zu ihnen zurück, weil sie mich an Familienfotos von den schönsten Momenten im Leben erinnern. Sie erinnern mich immer an eine unglaubliche Entdeckung, die meine Sicht auf die Welt völlig verändert hat. Wir sprechen hier von Margherita Manzelli, Ghada Amer, Lisa Yuskavage, Shirin Neshat, Andrea Zittel. Das sind alles Künstler, die in der Sammlung sehr wichtig sind. Sie geben den Ton an.

Haben Sie einen Rat für Menschen, die mit dem Sammeln von Kunst beginnen möchten, aber das Gefühl haben, dass es eine finanzielle Hürde für den Einstieg gibt?

Ich habe meine Sammlung mit einem sehr geringen Budget begonnen. Damals konnte man ein großes Kunstwerk für 4.000 Dollar kaufen. Heute liegt der Einstiegspreis für ein Werk eines jungen Künstlers bei 40.000 Dollar. Das ist absurd und kann in den dreistelligen Bereich gehen. Ich würde Menschen oder Freund*innen, die mit dem Sammeln anfangen wollen, raten: Nehmt euch Zeit. [Nehmt euch mindestens ein Jahr Zeit, um euch in der Kunstwelt zurechtzufinden. Seht euch Ausstellungen an den richtigen Orten an, also in Galerien, kommerziellen Galerien, Museen, gemeinnützigen Organisationen und auf Kunstmessen. Nutzt sie als Hilfsmittel, aber kauft nicht. Recherchiert einfach,, was euch gefällt. Wenn ihr private Sammler*innen werden wollt, geht es per Definition um euren Geschmack.

Es geht nicht darum, die Kästchen abzuhaken, aber viele Sammler*innen tun das. Sie kreuzen die Kästchen an. Sie müssen die neuesten Namen haben. Aber ich glaube, dass es bei einer privaten Sammlung um den eigenen Geschmack geht. Man sollte sich darüber klar werden, was einen bewegt und was einen begeistert und dann ein Budget festlegen. Ich habe immer ein festes Budget. Natürlich ist dieses im Laufe der Jahre gewachsen, nicht nur, weil ich mehr investieren kann, sondern auch, weil die Einstiegspreise für neue Künstlerinnen gestiegen sind. Ich habe immer noch eine Obergrenze, wie viel ich für ein einzelnes Werk ausgebe. Außerdem kaufe ich Künstlerinnen, die im Moment von niemandem beachtet werden. Ich unterstütze Künstlerinnen, die nicht auf jedermanns Liste stehen und nicht in aller Munde sind.

Möchten Sie sagen, wie hoch die Obergrenze ist?

Es ist ein bisschen gewachsen, aber für mich liegt die Obergrenze bei 70.000 bis 80.000 Dollar. Das ist die Obergrenze. Aber viele Jahre lang waren es 40.000 Dollar. Sie ist gestiegen, weil ich jetzt lieber weniger kaufe, dafür aber auch [von] Künstlerinnen, die 50, 55, 60 Jahre alt sind. Künstlerinnen, die ich schon mein ganzes Leben lang kenne, aber nie die Gelegenheit hatte, ihre Werke zu kaufen. Anstatt zwei Werke zu kaufen, kaufe ich ein Hauptwerk von diesen Künstlerinnen – und ich kaufe generell nur Werke, die einen großen Beitrag zum zeitgenössischen Diskurs leisten.

Haben Sie im Hinblick auf Ihr Vermächtnis jemals daran gedacht, eine Galerie oder ein Museum zu eröffnen, um Ihre Sammlung zu präsentieren?

Diese Frage wird mir seit 25 Jahren gestellt und ich sage immer, dass ich einen großen Bedarf an der Unterstützung von Institutionen sehe. Jetzt mehr denn je. Obwohl der zeitgenössischen Kunst viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, gibt es nur sehr wenige Mäzene, so dass die Institutionen das Geld brauchen. Meine Sammlung wird bei mir zu Hause ausgestellt. Ich habe ein Haus in New York, ein Haus in London und bald auch ein Haus in Mailand, wo die Sammlung ausgestellt wird. Sie sind offen für Besuche von Museen, Mäzenen und Gruppen, die nach Vereinbarung kommen. Irgendwann werde ich einen größeren Raum haben, aber im Moment bin ich nicht daran interessiert, ein Museum für die Sammlung zu bauen. Mir gefallen die Partnerschaften mit Museen und kleineren Einrichtungen. Ich komme mit großen Institutionen nicht gut zurecht, da man dort die persönlichen Verbindungen verliert. Auf meiner Reise ging es immer um persönliche Verbindungen und so möchte ich es auch beibehalten.