Jonas Wendelin ist der Künstler hinter Dittrich & Schlechtriem’s “Othering”

“Ohne den Anderen gibt es kein Selbst.”

Dieser Satz von Nicholas Korody ist der Kitt, der die neue Ausstellung in der Berliner Galerie Dittrich & Schlechtriem zusammenhält, könnte aber auch auf Jonas Wendelin zutreffen. Unter seiner sorgfältigen Kuration hat der in Düsseldorf geborene Künstler für die Galerie die neue Gruppenausstellung mit dem treffenden Titel “Othering” zusammengestellt, die Werke von Yalda Afsah, Julian Charrière, Albrecht Dürer, Francisco de Goya, Andreas Greiner, Jenna Sutela, Analisa Teachworth, Jol Thoms, Sung Tieu und Wendelin selbst zeigt.
Eine erste Version dieser Gruppenausstellung wurde zunächst in den Industriehallen des Areal Böhler bei der Art Düsseldorf gezeigt, bevor sie nach Berlin zurückkehrte, um für das Gallery Weekend neu inszeniert zu werden. Die Ausstellung beschäftigt sich mit der Frage “wie bestimmte Lebensformen – menschliche und nicht-menschliche – als fremd bezeichnet werden”.

Jetzt wird sie bei Dittrich & Schlechtriem mit einigen neuen Werken gezeigt und ist ein Erlebnis für alle Sinne, gefüllt mit medienübergreifender Kunst. Am Eingang zeigt eine riesige 206 x 206 cm große Videoleinwand in einem schlichten Holzrahmen ruhige, sich verändernde Landschaften, die von einem Algorithmus der künstlichen Intelligenz digital erzeugt werden (Andreas Greiners “Traum (vom Walde)”). In einer Ecke des unteren Stockwerks zeigen 49 übereinander gestapelte Bildschirme gefundene Unterwasseraufnahmen (Julian Charrières “The Gods Must Be Crazy”), während zwei jenseitige Keramikskulpturen in schwachem Licht leuchten wie eine seltsame neue Spezies, die aus den Tiefen des Ozeans hervorgeholt wurde (Wendelins “Involution I und II”).

Es ist eine weitläufige Ausstellung, die eine verlockende und experimentellere Richtung für die 2011 von Lars Dittrich und André Schlechtriem gegründete Galerie signalisiert. Sie zeigt auch Wendelins Stärke als Kurator – ein Ergebnis der jahrelangen Leitung gemeinschaftsorientierter Kunsträume, darunter NAVEL in Los Angeles und FRAGILE in Berlin. Für Wendelin gilt dort das gleiche Ethos wie bei Othering”: “Ohne den anderen gibt es kein Selbst”. Seine Praxis ist untrennbar mit der Welt und den Menschen um ihn herum verbunden.

Da Wendelin einige Zeit in Berlin verbrachte, um Ausstellungen bei FRAGILE und Dittrich & Schlechtriem zu betreuen, sprachen wir mit dem Künstler über die Bedeutung der Zusammenarbeit, die großen Unterschiede zwischen der US-amerikanischen und der deutschen Kunstszene und die Speisen und Getränke aus der Zeit vor dem Internet und vor Tschernobyl, die die Grundlage für seine allererste kuratierte Ausstellung bildeten.

“Othering” ist vom 29. April bis zum 25. Juni 2022 zu sehen. Die Galerie befindet sich in der Linienstraße 23, 10178 Berlin. Die Öffnungszeiten sind Montag bis Samstag von 11 bis 18 Uhr.

Du bist in Düsseldorf aufgewachsen. Warst du oft in Museen? Wie war dein Umgang mit Kunst?

Mein Vater ist Künstler und Architekt, es liegt also in der Familie. Im Rheinland gibt es viele Ressourcen für die Kunst. Es ist einfach unvermeidlich, dass man sich damit beschäftigt, aber es war wichtig für mich zu gehen.

Wolltest du als Kind etwas anderes als Kunst machen?

Ich habe eine Zeit lang mit der Fotografie angefangen. Fotografie ist schön, weil sie einem zeigt, wofür man sich interessiert. Das Medium selbst war für mich nicht mehr so interessant, also habe ich mich davon gelöst. Eine Zeit lang habe ich mich mit Bühnenbild beschäftigt und dachte, Architektur wäre etwas für mich, aber schließlich wurde mir klar, dass ich eigentlich Kunst studieren wollte. Ich habe mich sogar an der Kunstakademie Düsseldorf beworben, aber sie haben mich nicht genommen.

Du hast gerade die neue Gruppenausstellung von Dittrich & Schlechtriem kuratiert. Wie bist du zu dieser Galerie gekommen?

Als wir ein Atelier in der Leipziger Straße bekamen, habe ich ziemlich schnell angefangen, kleine Ausstellungen zu kuratieren, und wir haben ein Residenzprogramm eingerichtet, zu dem wir verschiedene Künstler eingeladen haben. Aber der allererste Gast war ein Tier, der sprachbegabteste Vogel der Welt. Wir versuchten, ihn zu unterrichten. Schließlich nahmen wir einen Flüchtling aus Somalia auf, der eine Zeit lang bei uns blieb, aber es ging immer darum, Menschen in die Praxis einzubeziehen. Dann studierte ich eine Weile in Kalifornien und gründete dort eine gemeinnützige Organisation namens NAVEL, die immer noch besteht. Ich bin nicht mehr so stark involviert, aber diese Praxis der Einbeziehung wurde fortgesetzt. Schließlich wurde FRAGILE [in Berlin] ein wichtiges Projekt.
Der Galerist, André [Schlechtriem], wusste nicht wirklich viel von dem, was ich tat, aber ich war auf dem Radar, weil ich in Berlin ziemlich präsent war, was die Programmgestaltung anging. Er kam einfach zu einer der Eröffnungen und sagte: “Jonas, ich habe keine Ahnung, was du machen wirst, aber ich bin irgendwie fasziniert. Willst du eine Ausstellung für das Gallery Weekend machen?” Und ich sagte: “Ja, klar. Lass es uns versuchen.” Und dann haben wir einfach angefangen, zusammenzuarbeiten. André möchte das Galerieformat wirklich öffnen und mehr experimentieren. Zum Teil geht es auch darum, mir den Raum zu geben, um deutlich zu machen, dass dieser kollaborative Bereich Teil meiner Praxis ist. Als Künstler ist es nicht so, dass man einfach nur Arbeiten macht. Es ist eine Praxis. Es ist das Leben.

Erinnerst du dich an die erste Ausstellung, die du kuratiert hast?

Bevor es FRAGILE gab, hatten wir nur unser Atelier und es gab eine Ausstellung, für die ich ein großes Abendessen kochte. Es war ein riesiger Tisch, wie ein Buffet, aber das Essen bestand nur aus Konservierungsstoffen. Es gab Honig aus der DDR, Coca-Cola von 1970, Wein und Getränke von vor langer Zeit und Brot aus einer Sauerteigkultur aus den 1980er Jahren. Alle Speisen auf dem Tisch stammten aus der Zeit vor dem Internet und vor Tschernobyl und vor jeder einzelnen Person bei der Eröffnung. Die ganze Ausstellung hieß “Pre”. Es wurden antike Speisen aufgetischt, und rundherum gab es Kunstwerke, die die Zukunft projizierten. Es wurde sehr dystopisch. Das war der erste erfolgreiche Versuch, wirklich etwas zu machen, und es war wirklich chaotisch. Es gab Aufführungen und alle Ateliers waren geöffnet. Am Ende war es einfach eine riesige Party, was sehr lustig war.

Wie habt ihr all das Essen gefunden?

Ich unterhielt mich mit einem sehr alten Freund, der mir erzählte, dass er jeden Sonntag zu seiner Großmutter ging. Sie machte Essen, aber einige der Speisen hatte die Mutter seiner Oma eingemacht. Er hat es jeden Sonntag gegessen. Ich dachte: “Oh, das ist eine wirklich interessante Idee”. Also fingen wir an zu graben, und selbst in meiner Familie fanden wir alte Keller mit Sachen. Wenn man ins Internet geht, findet man eine Nachkriegsgeneration, die eine andere Vorstellung von Knappheit und Ressourcen hat. Es gibt eine tief verwurzelte Angst. Am Anfang sprichst du mit all diesen Leuten und sagst: “Oh ja, wir kommen und holen ein paar Sachen ab.” Sie sagen: “Ja, bitte nehmt alles mit.” Und in dem Moment, in dem du in ihrem Keller bist und ausräumst, sagen sie: “Nein, nein, nein, das könnt ihr nicht haben.” Sie sind ängstlich. Es war eine wirklich interessante Erfahrung, aber so haben wir lange Zeit überlebt. Wie gehen wir mit unseren Ressourcen um, um unsere Überlebenschancen zu verlängern?

Mit welchen Themen oder Konzepten beschäftigst du dich gerne in deiner Kunst?

In den letzten paar Jahren habe ich viel mit Keramik gearbeitet. Keramik ist eine der ältesten Technologien überhaupt. Prometheus hat uns das Feuer gegeben, und dann haben wir angefangen, kleine Schüsseln zu machen, richtig? Und dann ist das gemeinsame Essen sehr zeremoniell. Am Anfang waren die Arbeiten sehr performativ. Ich habe diese Performances mit den Keramiken gemacht. Dann wurden sie ein bisschen mehr zu Objekten, aber sie sind immer noch so etwas wie Gefäße. Ich würde sagen, ein Gefäß ist ein Thema, auf das ich immer wieder zurückkomme. Man könnte alles als Gefäß bezeichnen, aber letztendlich ist es etwas, das Informationen enthält und an das man sie weitergeben kann.

Da wir gerade von gemeinnützigen Räumen sprechen: Du hast zuerst NAVEL in LA und dann FRAGILE in Berlin gegründet?

Das war irgendwie zur gleichen Zeit. Das Studio in Berlin existierte bereits, und dort haben wir all diese experimentellen Dinge gemacht. Der Plan war immer, diese Idee zu erweitern. Dann habe ich eine Weile in Kalifornien studiert, am California Institute of Arts in Santa Clarita, etwas außerhalb von Los Angeles. Ich traf zwei andere Leute, und wir stellten fest, dass wir uns schon eine Weile kannten. Sie hatten gerade ein leeres Lagerhaus in der Innenstadt von L.A. bekommen, und wir schliefen ein Jahr lang auf dem Boden und hatten keine Dusche. Wir gingen ins Standard Hotel und sprangen in den Pool.

Wir haben den ganzen Raum renoviert und dann langsam angefangen, die Gemeinschaft einzubeziehen und andere Leute mit der Leitung zu betrauen, und dann haben wir uns langsam zurückgezogen. Die Idee war, dass wir wirklich nur die Basis dafür schaffen und dann sehen, was von selbst passiert, wenn die Leute die Gelegenheit bekommen, etwas zu tun. Ich glaube, dass es in L.A. ziemlich erfolgreich geworden ist, was ganz anders ist als FRAGILE. Meine Partnerinnen, Maurin Dietrich und Cathrin Mayer, sind in diesem Sinne eher traditionelle Kuratoren.

Ich habe mir die Website für den Raum in L.A. angesehen, und es sieht wirklich schön aus.

Es gibt ein Bildungsprogramm. Die Leute können an Kursen teilnehmen, und die Kurse werden von Leuten geleitet, die ihr Wissen anbieten. Es ist eher wie eine Kirchengruppe. In Amerika ist auch die wirtschaftliche Situation eine ganz andere. Es gibt sehr wenig Geld für die Kunst. Alles ist in privater Hand, und Bildung ist sehr teuer. Daher ist es sehr wichtig, einen Ort anzubieten, an dem Wissen zugänglich ist. Für uns war es sehr wichtig, dass wir, wenn wir jemanden einladen, die Leute auch bezahlen. Wenn alles auf dieser freien Praktikumswirtschaft basiert, in der diejenigen, die Zeit haben, etwas zu tun, es auch tun, ist das sehr exklusiv.

Was sind die größten Unterschiede zwischen der Arbeit in LA und der Arbeit in Deutschland?

Vielleicht ist es zu kitschig, das zu sagen, aber wir sind in einer sehr privilegierten Lage, weil wir zwischen den beiden Orten hin- und herreisen können. Wir haben die Zeit, um bestimmte Dinge zu tun. Wir haben die Mittel.

Ich habe mit jemandem über New York und Berlin gesprochen, und er fragte, was der größte Unterschied sei.

Es ist die Zeit.

Ja. Die Zeit zu haben, sich nicht um die Miete kümmern zu müssen, und die Mittel zu haben, um Kunst zu machen.

Genau. Es schafft eine ganz andere Kultur, weil man nicht im Wettbewerb steht. Man kann tatsächlich gemeinsam an etwas arbeiten. New York, und Amerika im Allgemeinen, ist sehr ellbogenorientiert.

Jetzt, wo du hauptsächlich in L.A. lebst, bevorzugst du die Arbeitsumgebung in L.A. oder in Berlin? Oder pendelst du hin und her?

Ich könnte das eine nicht ohne das andere machen. Wenn ich zu lange in Amerika bleibe, bringt das auch deinen Kopf durcheinander. Es ist gut, in Berlin einen Fuß in der Tür zu haben – hier mit einem Projekt wie FRAGILE in der Community engagiert zu sein. Gleichzeitig ist man in L.A. meistens auf sich allein gestellt. Ich arbeite mit dem American Museum for Ceramic Art zusammen und habe alle meine Werkstätten. Ich produziere die meisten meiner Arbeiten dort. Einige der Techniken, die ich anwende, könnte ich hier gar nicht anwenden. Die Keramikkultur in LA ist zum Beispiel sehr fortschrittlich, und ich lerne eine Menge. Die Techniker, mit denen ich zusammenarbeite, unterstützen mich in gewisser Weise, aber sie sind gleichzeitig auch Lehrmeister für mich.

Man kann einfach unendlich viel lernen. Man arbeitet mit den Elementen. Es gibt nur sehr wenig Kontrolle, die man in den ganzen Prozess einbringen kann. Das sind Dinge, die in Deutschland oder Europa im Allgemeinen ein wenig verloren gegangen sind. In den Städten kann man nicht einmal Feuer in den Benzinkochern verwenden. Wenn ich dort bin, habe ich wirklich die Zeit, mich zu konzentrieren. Bei der gemeinnützigen Organisation habe ich derzeit eher eine beratende Funktion, und im Museum habe ich ein weiteres Studio. Ich springe zwischen diesen drei Tätigkeiten hin und her. So kann ich mich wirklich mehr auf mich und meine Arbeit konzentrieren.

Es scheint, dass der generelle Trend in deiner Arbeit und in dem, was du tust, darin besteht, Dinge gemeinschaftsorientiert zu gestalten und Menschen Möglichkeiten zu geben, die diese Möglichkeiten normalerweise nicht haben.

Es fühlt sich für mich nicht so sehr anders an, als wenn ich mit einem Künstler an einer Ausstellung arbeite und die Welt aus seinem Kopf heraus sehe – mich wirklich auf seine Arbeit einlasse und sie gemeinsam mit ihm produziere, anstatt sie für mich selbst zu machen. Beim Ausstellungsmachen zum Beispiel oder bei der Performance sind diese Grenzen, die wir gesetzt haben, und der Name, der mit etwas verbunden ist, nicht so wichtig.

Es geht darum, eine Verbindung zu schaffen.

And being aware of the audience that’s walking in. It’s as much a part of the job as the person doing it. It’s funny, in the text we just wrote about the exhibition at Dittrich & Schlechtriem called “Othering” we talk about it. “Without the other there is no self.” The gaze that looks at something is already included in the process of making something.