Was bewegt Menschen dazu, Kunst zu sammeln? Und welche Wege führen sie dorthin?

In unserer Reihe Private View geben Kunstsammler*innen Einblicke in die persönlichen Geschichten hinter ihren Sammlungen: Was hat ihr Interesse an Kunst geweckt? Welche Werke begleiten sie über Jahre hinweg? Und wie prägen Künstler*innen, gesellschaftliche Entwicklungen und individuelle Lebenswege ihre Sammlung?

In dieser Ausgabe sprechen wir mit Thomas Rusche, Sammler und Kunstberater. Schon von klein auf wurde Thomas Rusche von Kunst begeistert und erweitert als Leiter die große Privatsammlung Rusche Art Collection Oelde/Berlin immer weiter. Die Werke der Sammlung wurden schon in über 100 Ausstellungsinstitutionen gezeigt.

Herr Rusche, Sie schreiben in ihrem aktuellen Buch "Kunst macht reich und glücklich", dass Sie mit Ihrem Vater in den einfachsten Hotels übernachteten, um in Auktionen hochkarätige Kunst zu kaufen. Wie alt waren Sie, als Ihr Vater Sie erstmals zu Auktionen mitnahm und inwiefern hat dieser Blick „durch seine Augen" Ihre eigene Sicht auf Kunst geprägt?

Ich war noch keine zehn Jahre alt, als mein Vater mich das erste Mal zu einer Auktion mitnahm. Diese Erlebnisse haben mir früh gezeigt: Es geht nicht um Luxus oder Statussymbole, sondern um die Kunst selbst. Dass wir in einfachen Hotels übernachtet haben, aber bei der Auktion auf ein bedeutendes Werk bieten konnten, war eine klare Prioritätensetzung. Mein Vater lehrte mich, dass man für wirklich wertvolle Dinge Opfer bringen darf und dass wahre Schönheit wichtiger ist als oberflächlicher Komfort. Dieser Blick durch seine Augen hat mich gelehrt, Kunst nicht als Dekoration zu sehen, sondern als etwas, wofür es sich lohnt zu sparen und zu verzichten.

Die Sammlung Rusche gehört zu den bekanntesten deutschen Privatsammlungen. Wie würden Sie die „Handschrift" Ihrer Familie beschreiben und worin unterscheidet sich Ihre eigene Auswahl von der Ihres Vaters oder Großvaters?

Die Handschrift unserer Familie ist geprägt von einem Gespür für Qualität und einer gewissen Risikobereitschaft. Wir haben nie dem Mainstream hinterhergesammelt, sondern oft auf Künstler*innen gesetzt, die noch nicht etabliert waren. Mein Großvater und mein Vater hatten einen starken Fokus auf Alte Meister, insbesondere niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts. Ich selbst habe das Spektrum um zeitgenössische Kunst erweitert. Während frühere Generationen eher auf malerische Qualität setzten, bin ich offener für konzeptuelle und provokante Positionen. Nachdem ich die Sammlung aufgrund einer Krise meines Unternehmens leider verkaufen musste und dadurch um viele Erfahrungen reicher bin, sage ich heute umso entschiedener: Ich kaufe, was mich bewegt, nicht was gerade Mode ist.

Sie erwähnen, dass Sie gerne „politisch unkorrekte Bilder" kaufen oder gekauft haben. Was reizt Sie daran: der Widerspruch, die Provokation, das Tabu?

Kunst muss auch irritieren und verstören dürfen. Was mich reizt, ist nicht die Provokation um ihrer selbst willen, sondern die Fähigkeit von Kunst, uns mit unbequemen Wahrheiten zu konfrontieren. Politisch unkorrekte Werke durchbrechen oft den Konsens des Gewohnten und zwingen uns, genauer hinzuschauen. Sie stellen Fragen, die wir lieber vermeiden würden. Das kann nerven, aber genau darin liegt ihre Kraft. Kunst darf uns nicht nur gefallen – sie muss uns auch herausfordern. Natürlich gibt es Grenzen: Kunst, die menschenverachtend ist oder Hass schürt, lehne ich ab. Aber Kunst, die gesellschaftliche Konventionen hinterfragt, brauchen wir dringend.

In Ihrem Buch schildern Sie den Kunstmarkt als ein „Buch mit sieben Siegeln". Warum ist er so verschlossen, und welche Mechanismen sorgen für diese Intransparenz? Würden Sie für mehr Offenheit plädieren und wie könnte sie konkret aussehen?

Die Intransparenz hat System. Manche Galerien nennen ihre Preise nicht öffentlich, Auktionsergebnisse entstehen mehr oder weniger zufällig, und über Privatverkäufe erfährt man gar nichts. Das schafft Unsicherheit und hält Menschen davon ab, einzusteigen. Ich plädiere definitiv für mehr Offenheit. Konkret begrüße ich die Bereitschaft mancher Galerist*innen auf Kunstmessen die Verkaufspreise direkt auf das Schild an der Wand zu schreiben. Die der Preisgestaltung zugrundeliegenden Faktoren sollten ebenso transparent gemacht werden, wie die Marktmechanismen auf dem Sekundärmarkt und auf Auktionen. Mein Buch ist ein Schritt in diese Richtung: ich möchte Menschen das Handwerkszeug geben, um informierte Entscheidungen zu treffen. Der Kunstmarkt sollte kein Club für Insider bleiben, sondern allen offen stehen.

Wie ordnen Sie die Rolle von Sammlerinnen und Sammlern am Kunstmarkt ein, insbesondere in Bezug auf ihre Macht gegenüber Galerien und Künstlerkarrieren?

Sammler*innen haben enorme Macht – oft mehr, als ihnen selbst bewusst ist. Wer kauft, entscheidet mit darüber, welche Künstler wirtschaftlich überleben und welche nicht. Große Sammler*innen können Künstler*innenkarrieren machen oder brechen. Das ist einerseits problematisch, weil es zu Abhängigkeiten führt. Andererseits sind engagierte Sammler*innen oft die wichtigsten Förderer junger Kunst. Sammler*innen sollten sich nicht als Machtspieler, sondern als Partner im Kunstsystem verstehen. Dann, wenn Galerien, Künstler*innen und Sammler*innen auf Augenhöhe zusammenarbeiten, kann ein magisches Dreieck entstehen. Wenn ich heute Sammler*innen, Künstler*innen und Galerist*innen beraten darf, geht es mir genau darum: das Netzwerk zum Schwingen bringen, in dem sich alle wechselseitig befruchten, miteinander Räuberleiter spielen und füreinander Verantwortung übernehmen.

In Berlin haben Sie den Rusche Kunstsalon gegründet. Was für einen Ort möchten Sie dort schaffen, wer begegnet sich dort, und wie kuratieren Sie diese Begegnungen?

Mein Berliner Kunstsalon ist seit Jahrzehnten ein Ort der Begegnung zwischen Künstler*innen, Sammler*innen, Kurator*innen, aber auch Menschen, die einfach neugierig auf Kunst sind. Ich möchte die Schwellenangst nehmen. Deshalb gibt es bei uns keine steife Vernissage-Atmosphäre, sondern echten Austausch. Ich kuratiere bewusst Begegnungen über Generationen und soziale Milieus hinweg: Die junge Künstlerin trifft auf den erfahrenen Sammler, der Kunsthistoriker auf den Quereinsteiger. Diese Durchmischung erzeugt produktive Reibung, die nicht zuletzt durch die herausfordernde Kunst an den Wänden unterstützt wird.

Kunst lebt vom Austausch. Inwiefern ist Ihre Sammlung heute der Öffentlichkeit zugänglich? Gibt es Ausstellungen, Leihgaben oder andere Formate, mit denen Sie Ihre Werke teilen?

Im Berliner Kunstsalon geht der Austausch so weit, dass alle Kunstwerke erworben werden können. Welch ein schönes Gefühl, wenn ich andere Sammler*innen mit meinen Werken glücklich machen kann. Selbstverständlich stellen wir Kunstwerke für museale Ausstellungen zur Verfügung. Mir ist wichtig, dass Kunst nicht in Tresoren verschwindet. Sie entfaltet ihre volle Wirkung nur, wenn sie gesehen wird, Gespräche auslöst und Menschen bewegt.

Wo und wie kaufen Sie persönlich am liebsten Kunst? Spielt für Sie der direkte Kontakt zu Künstler*innen eine Rolle, oder sind Auktionen, Galerien oder Kunstmessen Ihre bevorzugten Orte? Und, für uns natürlich immer eine besonders interessante Frage, wie bewerten Sie den Einfluss von Kunstmessen auf den heutigen Markt?

Am liebsten kaufe ich direkt im Atelier. Dort erlebe ich die Entstehungsgeschichte der Werke und verstehe die künstlerische Position besser. Der persönliche Kontakt zu Künstler*innen bereichert mein Verständnis immens. Aber ich schätze auch Auktionen, aufgrund des immer wieder überraschend vielfältigen Angebots quer durch die Jahrhunderte. Galerien sind für mich Partner, mit denen ich teils seit Jahrzehnten zusammenarbeite. Kunstmessen demokratisieren den Zugang und schaffen Übersicht auf engem Raum. Wo sonst kann ich so viele Kunstwerke auf einmal sehen und erwerben?

Ihr Motto lautet: „Kunst muss gefallen – und Kunst muss überraschen." Welche Arbeit oder welche*r Künstler*in hat Sie zuletzt wirklich überrascht, irritiert oder – um Susan Sontag zu zitieren – „nervös gemacht"?

Gerade blicke ich auf ein Stillleben von Markus Lüpertz. Es hängt über meinem Etrosofa, ist aber alles, nur kein gefälliges Sofabild. Vielmehr überrascht es mich mit seinen kompositorischen Bezügen immer wieder neu. Das harmonische Farbspiel von Bild und Sofa mag den flüchtigen Betrachter beruhigen, wer jedoch genau hinschaut wird Totenschädel, Stiefeletten und allerlei Getier irritiert. Wer sich auf das Bild einlässt, wird nicht nur irritiert, sondern gerade aufgesogen, mit Haut und Haaren.

Sie sagen, Kunst bereichert das Leben. Was genau meinen Sie damit, auf welcher Ebene macht Kunst „reich und glücklich"?

Kunst vermag auf vier Ebenen reich und glücklich zu machen: emotional, intellektuell, sozial und finanziell. Emotional, weil sie Gefühle weckt, die der Alltag oftmals nicht bietet: Staunen, Erschütterung, Freude. Intellektuell, weil sie zum Denken anregt und neue Perspektiven eröffnet. Sozial, weil sie Menschen zusammenbringt und Gespräche ermöglicht. Und ja, auch finanziell kann es sich lohnen, aber das ist für mich der unwichtigste Aspekt. Die wahre Rendite ist die ästhetische Dividende: jeden Tag von großer Kunst umgeben zu sein, die niemals langweilt. Ein gutes Kunstwerk wächst mit einem, offenbart immer neue Facetten. Das ist Reichtum im eigentlichen Sinne.

Wenn Sie auf Ihre eigene Sammlung blicken: Welche Werke sind Ihnen besonders ans Herz gewachsen und warum? Gibt es Stücke, die für Sie eine Art Wendepunkt markieren?

Besonders ans Herz gewachsen sind mir meine ersten Grafiken, die ich als Jugendlicher für wenig Geld gekauft habe. Sie markieren meine ersten eigenständigen Suchbewegungen und Kaufentscheidungen und erinnern mich daran, dass es beim Sammeln um eine persönliche Haltung und Beziehung zum Objekt geht. Ein Wendepunkt war der Ankauf einer Skulptur von Alicja Kwade, mein erstes Kunstwerk, das ich nach dem notgedrungenen Verkauf meiner Sammlung wieder erstanden habe: Quasi meine Wiedergeburt als Sammler.

In Ihrem Buch erzählen Sie häufig von Erlebnissen mit Ihrem Vater. Welche Rolle spielten die Frauen in Ihrer Familie im Umgang mit Kunst, als Sammlerinnen, Rezipientinnen oder Vermittlerinnen?

In meiner Familie sammeln wir nun seit fünf Generationen Kunst. Meine Schwiegertochter ist die erste Frau, bei der eine Leidenschaft für Kunst zu spüren ist. Mein Sohn ist also glücklicher als seine männlichen Vorfahren, die allein in der Kunstwelt unterwegs waren. Mein Vater nicht ganz allein, denn er hat es verstanden mich bereits in frühen Jahren für die Kunst zu begeistern. Meine Mutter hingegen hat ihre ganze Kraft und Zeit dem Aufbau unseres Modeunternehmens gewidmet. Und da Mode auch eine Kunstform ist, hat sie die Kunstkäufe ihrer Männer immer wohlwollend begleitet. Meine Frau ist in eine Mailänder Sammlerfamilie hineingeboren, wo die Gemälde in Petersburger Hängung neben- und übereinander hingen. Trotz dieser erblichen Vorbelastung hat sie bis vor wenigen Jahren in die Kunstwelt nur reingeschnuppert. Sie ist jedoch auf beruflichen Umwegen zur Kunst gekommen: Als Kultur- und Sozialdezernentin des Kreises Warendorf ist sie für drei Museen zuständig, sitzt in Ankaufskommissionen und schreibt Vorworte für die Kataloge. Auf einer Auktion hat sie zu meiner Überraschung gerade ihr erstes Kunstwerk für unsere Sammlung ersteigert: Ein Nagelbild von Günther Uecker. Ich bin gespannt, wie es mit ihr und der Kunst weitergeht.

Wie war es für Sie, mit Kunst aufzuwachsen? Was bedeutet es, wenn Kunst so selbstverständlich Teil der Familie ist und wie würden Sie heute Kinder und junge Menschen an Kunst heranführen?

Mit Kunst aufzuwachsen war ein Privileg, aber auch eine Herausforderung. Als Kind fand ich es am Wochenende manchmal nervig, wieder in Ausstellungen geschleppt zu werden; doch mein Vater lockte mich mit seinem weißen Porsche 911 und das fand ich dann doch cool genug. Natürlich hat die omnipräsente Kunst zuhause meinen Blick zumindest unbewusst geprägt. Kunst war bei uns nie heilig oder unantastbar, sondern Teil des Alltags. Wir diskutierten beim Abendessen über Werke, als wären es alte Freunde. Meine Kinder haben einen ähnlichen Umgang mit der Kunst erlebt, sind interessiert, aber haben noch nicht Feuer gefangen. Deshalb möchte ich keinen Rat erteilen. Vielleicht nur: Kunst muss Freude machen und viele Museen haben tolle Angebote für Kinder die Freude machen.

Das Sammeln ist nicht nur eine Leidenschaft, sondern auch eine enorme organisatorische Aufgabe. Wie managen Sie Ihre Sammlung und was sind für Sie die wichtigsten Grundsätze oder Prioritäten dabei?

Vor dem Verkauf der Sammlung, die mehrere tausend Werke umfasst hat, war der Aufwand natürlich viel größer als heute. Damals habe ich die Arbeit auf mehrere Schultern verteilt, aber es war dank digitaler Datenbank kein Fulltime-Job. Grundsätzlich gilt: eine detaillierte Datenbank mit Provenienz, Zustand, Versicherung und Ausstellungshistorie jedes Werks. Konservierung ist zentral, manche Werke brauchen spezielle klimatische Bedingungen. Wichtig ist auch die Dokumentation: Fotografien, Korrespondenz mit Künstlern, Kunsthistorikern, Kaufbelege. Das klingt technisch, aber Ordnung hilft ungemein.

Und abschließend, welche Ratschläge geben Sie Einsteiger*innen, die beginnen möchten, Kunst zu sammeln? Worauf sollten sie achten, was sollten sie vermeiden und was ist vielleicht das Wichtigste?

Der wichtigste Rat: Kauft, was euch wirklich bewegt, nicht was gerade angesagt ist. Investiert Zeit, bevor ihr Geld investiert – besucht Ausstellungen, lest, sprecht mit Künstlern und Galeristen. Wagt den ersten Schritt; dabei könnt ihr klein beginnen: Eine hochwertige Druckgrafik für den Preis eines Restaurantbesuchs ist ein perfekter Einstieg. Lebt mit der Kunst. Hängt sie auf, schaut sie täglich an. Erst dann werdet ihr verstehen, ob ein Werk wirklich zu euch passt. Kunst sammeln ist kein Sprint, sondern ein Marathon – aber einer, der unglaublich glücklich macht. Und wenn ein Hinweis in eigener Sache erlaubt ist: Liest mein Buch „Kunst macht reich und glücklich“ und besucht mich in meinem Berliner Kunstsalon. Ich berate Euch gerne.

Sie sind heute nicht mehr nur Sammler, sondern beraten auch andere. Wie hat sich Ihr Blick auf Kunst verändert, seit Sie auf beiden Seiten des Marktes stehen?

Als Sammler war ich immer den jungen unbekannten Künstlern auf der Spur. Als Berater helfe ich Sammlern mit meinen Erfahrungen im Segment der Young Emerging Artist. Oftmals besteht jedoch der Wunsch langfristig wertbeständige Kunst zu erwerben. Dies führt mich verstärkt auf das Gebiet der modernen Kunst; dort suche ich nach Künstlern, die sich seit Jahrzehnten am Kunstmarkt bewährt haben und kanonisierungsfähig sind. Als Sammler habe ich nie Preis oder Namen gesammelt; als Berater muss ich mich stärker fragen, welche zukünftige Preisentwicklung bei welchen Künstlern zu erwarten ist. Insgesamt spielen jetzt finanzielle Überlegungen eine größere Rolle.

Der Verkauf großer Sammlungsbestände wird in der Szene kontrovers diskutiert, gerade Künstler*innen verbinden damit manchmal die Sorge, dass ihre Werke und Marktpreise zum Spielball werden. Können Sie diese Bedenken nachvollziehen, und welche Verantwortung tragen Sammler*innen aus Ihrer Sicht gegenüber den Künstler*innen, wenn sie sich von Werken trennen?

Diese Sorge kann ich aus eigener Erfahrung nachvollziehen. Aufgrund einer Unternehmenskrise musste ich meine Sammlung en bloc verkaufen, um einen dringenden Liquiditätsbedarf zu stillen. Der einzig gangbare Weg war die Auktion. Auktionsergebnisse können Künstlerkarrieren beflügeln, aber auch belasten. Vorher weiß keiner, wer wie abschneidet. Besonders gefreut hat mich, dass Künstler über die Auktion nun in Sammlungen gelandet sind, in denen sie vorher noch nicht vertreten waren. Bilder sind wie Kinder, sie haben Beine und gehen ihren Weg; oftmals anders als erwartet.

Sie haben immer wieder auf Künstler*innen gesetzt, bevor der Markt sie entdeckt hat. Welche jungen Positionen beobachten Sie gerade?

Zuletzt haben mich die durchdachten Skulpturen von Sandra Schlipköter beeindruckt, die ich zuvor als Malerin schätzen gelernt habe. Gerade erwerben konnte ich Glasskulpturen des Leipziger Grassi-Preisträgers Andreas Rier, ein großartiger Formgeber. Peter Böhnisch, Monika Michalko und Moritz Schleime überzeugen durch ihre malerischen Positionen und haben sich alle erste Sporen verdient.